Nuria López Torres en Detrás del instante

Nuria López Torres - Detrás del instante

El programa Detrás del instante, dedicado a la fotografía y los fotógrafos contemporáneos españoles, de TV2, regresa en su nueva temporada con un episodio centrado en la fotógrafa Nuria López Torres. Es de los que no hay que perderse. Nuria representa muy bien lo que ha sido, y queda, del fotoperiodismo en Barcelona: una mezcla de lucha a ras de vida y de humanismo que encuentra la manera de dar con una voz y una imagen propias. No solo es el trabajo realizado en Cuba, creo que su reportaje sobre el confinamiento en casa de su madre tiene todos los elementos del fotoperiodismo clásico. Y habla del suicidio sin esconder un problema, tabú en nuestro país.

Sex and Revolution in Cuba

Sex and Revolution in Cuba

Viviendo la luz: Robby Müller, un homenaje

Muy recomendable el documental Viviendo la luz, de Claire Pijman, dedicado al director de fotografía Robby Müllerno , que trabajó con los directores más innovadores de los años 80 y 90. Es una que hay que ver más de una vez para degustar las diferentes colecciones de fotografías: grabaciones, polaroids, cortos… Era uno de esos fotógrafos que están siempre siempre tomando fotos. Yo no entiendo a los que solo sacan la cámara cuando trabajan, prefiero a los vocacionales, atentos al movimiento de la vida, que tienen proyectos propios siempre en marcha. Wim Wenders, Jarmusch, Von Trier… me acuerdo del estilo de esas películas, era romanticismo moderno en un periodo histórico muy turbio que no te dejaba ignorarlo. 
Paris, Texas, El amigo americano, Relámpago sobre el agua -que tengo que volver a ver–, Rompiendo las olas… que me gustó mucho en su momento y a nadie más. Y Dead man, de Jarmusch, que gustó a todo el mundo menos a mí 😀

Alberto García Alix en conversación

 

A partir del minuto ’30 empieza a soltarse. Es un artista como la copa de un pino al que vale la pena escuchar por sus reflexiones, sus manías, sus humorismos… Yo, que estoy con ganas de volver a la analógica, voy encontrando más y más razones. Y cuando dice que «el esplendor del verde» le fastidia, ya me ha ganado.

Susana y Alberto

Está feo señalar con el dedo: sobre «Ça-a-été? Contra Barthes», Expo de Joan Fontcuberta

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«ESTÁ FEO SEÑALAR CON EL DEDO»

Algunas reflexiones y cuestiones suscitadas por la interesante exposicion que Joan Fontcuberta presentaba en una sala -muy bien aprovechada- del Palau de la Virreina, hasta ayer mismo, que se publican hoy en Mercurio

«En la exposición que presenta el Palau de la Virreina discute uno de los ejes de las tesis que Roland Barthes desarrolla en La cámara lúcida, según la cual la fotografía muestra de manera indiscutible lo que «ha sido». Fontcuberta selecciona una extensa serie de truculentas fotos de prensa en blanco y negro, recuperadas de la desaparecida publicación mexicana sensacionalista Alerta, revista llamada allí de nota roja, o de crímenes y catástrofes, de sucesos en España, de perros atropellados en Francia. En casi todas esas fotos se ve al lado del cuerpo del delito o junto al criminal detenido una persona señalando con el dedo, bien el punto donde está la herida principal o al sujeto culpable, con el fin de refutar precisamente el concepto ça-a-été.»

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Esteve Lucerón – La Perona – UPIFC

Hoy estreno exposición en ARCHIVO FOTOGRÁFICO DE BCN

ABOUT PASSION -- De fotografía y otros entusiasmos

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Copyright de todas las imágenes: Esteve Lucerón.

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Copias para exposición  realizadas en papel baritado por Jordi Gratacós (UPIFC)

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Esteve Lucerón (Pobla de Segur, 1950) realizó desde 1980 un trabajo de documentación fotográfica del poblado barraquista de La Perona, que se prolongó durante unos diez años y terminó coincidiendo con la erradicación del barrio.
La UPIFC –el sindicato de fotoperiodistas de Cataluña, del que soy socia por aquello de las afinidades electivas– acaba de publicar un número de su AGENDA sobre  este trabajo, acompañado de un interesante y prolijo estudio –en catalán–, sobre el barraquismo como fenómeno social en la Barcelona del siglo XX.

Hay un contraste evidente entre el estilo del estudio, firmado por Xavi Camino Vallhonrat y Pili Díaz Giner, de tono universitario y cargado de los eufemismos establecidos –«colectivo gitano»– con críticas muy suavizadas a las instituciones políticas, con las imágenes, muy directas, con personas mirando a cámara, desafiantes, cómplices histriónicas o…

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Eméticos Chirbes y Padura

A pesar de las risas sarcásticas que me provocó el escándalo del contenido plagado de insultos a la pléyade de sus rivales-defensores y enemigos varios, pocos días después del lanzamiento de los diarios de Plagiario 1 pasé la noche vomitando. La pesadilla se repitió una semana después, tras descubrir en la relectura de su bodrio, que Plagiario2 había incluido más escenas, situaciones y frases de mi malhadada novela. El médico diagnosticó una evidente depresión y me dio una baja testimonial, ya que ni se cura con fármacos ni puedo pagarme un descanso.

El libro de Chirbes ha caído en medio de la escena literaria igual que una rata muerta, tan podrida por dentro que allá donde alguien pinche escupe su putridez. Lo grotesco, y hasta divertido si no significara lo que realmente significa, es cómo figurones como Ródenas incurren desde La Vanguardia en la contradicción de desacreditar a la Sanz por el prólogo, que todos consideran «represalia» por lo que el valenciano larga contra su estilo, de un libro que va lleno de represalias. A Marta Sanz le ha importado, como al 99% de los enterados de esta historia, una sagrada mierda el daño que me han hecho desde cualquier punto de vista pero lleva ya un artículo y un prólogo para desquitarse de la crítica que el Gran Santón, ungido por ella más que por la mayoría, ha dejado en testamento.
Como si no fuese todo bastante grotesco, este y aquel critican el enfoque del prólogo que tachan de «psiquiatrización» confundiendo psiquiatría con psicoanálisis –¡qué nivel!–, porque no son capaces siquiera de objetar cabalmente –lo único cabal de todo este disparate, que si no estuviera Anagrama detrás no habría agitado ni una mota de polvo– que un enfoque psicoanalítico, así fuera de la pluma de Marta Sanz o de Valls, si no se acompaña de las cita de auténticos y reconocidos expertos, sería puro análisis silvestre, es decir palabrería de mero diletante, un guiso de fórmulas de aficionados para decir, aprovechándose de la autoridad que tiene esta disciplina como forma de análisis del lenguaje, lo que a uno le pica.
Padura, por su parte, odiadísimo por la gran mayoría de escritores e intelectuales cubanos disidentes, continúa, gracias al apoyo del grupo planeta, que no es apoyo baladí, en su ascendente carrera a encarnar la figura de Gran Escritor Cubano –incapaz de escribir «castrismo» ni una sola vez en ese engendro que puede acabar incluso premiado en Francia (qué decadencia), toma y retoma de Reynaldo Arenas, polvo rabioso en su tumba de saberlo.

Como antidepresivo, una dosis doble de talento: el fotógrafo Erwin Olaf con sus puestas en escena de inspiración pictórica en el video, y arriba con su compatriota la diseñadora de moda Iris Harpen (Felipe II, Vanity Fair ).

Viaje fotográfico a través de América con cámaras analógicas

Hay un corriente de jóvenes fotógrafos, como este Willem Verbeeck, que están recuperando la fotografía analógica y dándole gran difusión a través de sus canales de Youtube; se dedican a probar todo tipo de cámaras en sus diferentes formatos, carretes, incluidos los caducados hace años que pueden encontrarse en lotes vendidos por internet. En este post, uno de los que me parece que trabajan el color de una manera sugestiva, aunque las imágenes propiamente dichas tienen algo de déjà-vu, con una mirada que creo muy estilo polaroid.
En Barcelona también se está experimentando un revival de la foto analógica y esto ha tenido una pequeña consecuencia positiva: han abierto un par de tiendas que no solo venden cámaras de segunda mano sino –lo fundamental– talleres de reparación a precios razonables. Uno está en la calle Tallers, muy cerca de las Ramblas.

Ferran Freixa, la materia y el tiempo, en El Rinconete

Acabo de conocer la noticia de que Ferran murió el domingo pasado, 13 de junio. Le gustó mucho el artículo, que escribí después de una larga conversación en su casa en el campo, lo reproduzco como homenaje y va dedicado a su hija Marina.

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La obra de Ferran Freixa no solo forma parte de varias colecciones oficiales, también está recogida en varios libros. Entre ellos destaco, además del dedicado a las ruinas del Gran Teatre del Liceu, El foc, darrer acte [El fuego, último acto], el catálogo de la gran exposición que le dedicó la Universidad de Salamanca, Fotografías, (1977-1994), y el más reciente, que incluye las series del Cabo de Gata y de las colonias fabriles, Fotografía 1973-2013; se trata del catálogo, editado con tapa dura, de la amplia retrospectiva que tuvo lugar del 27 de noviembre al 25 de mayo de 2014 en el Centre d’Art Tecla Sala, de Hospitalet.

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ABOUT PASSION -- De fotografía y otros entusiasmos

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© fotos: Ferran Freixa

La primera fotografía que vi de Ferran Freixa (Barcelona, 1950) era la de un perfil de mujer abocetado en la arena por las olas al morir en la playa. Una imagen poética en blanco y negro evocadora de una presencia latente que se forma y se deshace en segundos. Podría creerse que Freixa es un fotógrafo del «momento decisivo» a lo Cartier Bresson, pero el conjunto de su obra, fruto de ya cuatro décadas en activo, desmiente esta suposición.

Fotógrafo autodidacta, en su hacer se percibe su formación en diseño y pintura artística: el gusto por la composición nítida, el protagonismo de los objetos y las formas, el subrayado de atmósferas, texturas y volúmenes. Profesionalmente, es un reconocido fotógrafo especializado en interiorismo y arquitectura; su obra personal establece una simetría con el quehacer profesional, pues sus temas versan sobre lo que ha resistido a la usura…

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Mary Ellen Mark, fotógrafa

He visto en instagram que alguien recordaba a la fotógrafa norteamericana Mary Ellen Mark (1949-2015) y he sentido una irrefrenable nostalgia de la fotografía en blanco y negro y curiosidad por revisar la trayectoria y época en que se abrió camino –creo que esta nostalgia de la foto clásica en blanco y negro es algo que repito a menudo en todos mis blogs–. Estos videos permiten conocerla en diferentes épocas y formatos: clip publicitario de Leica, entrevista, conferencia; en el video del medio la presentadora del programa se gasta un tonillo entre escéptico o suficiente –«la fotógrafa se hizo famosa retratando a gente infamous 〈infame〉»–, muy característico de los años ochenta-noventa, cuando el yuppismo propalaba la creencia de que ser rico es la única condición digna del ser humano; no puede extrañar que en esas décadas triunfase Annie Leibovitz, con sus carísimas puestas en escena. El documental más extenso, que por restricciones de edad solo puede verse en Youtube, es del Museo Smithosonian.

Mary Ellen Mark. Courtesy of Fahey/Klein Gallery
Mary Ellen Mark. Courtesy of Fahey/Klein Gallery

En los reportajes – o stories– de Mary Ellen Mark es muy evidente la influencia de Diane Arbus, con una tendencia más mitigada por lo grotesco o monstruoso. Todo fotógrafo tiene una marca de fábrica y es fácil que los «modelos» más listos sepan cómo posar para darle al fotógrafo lo que busca. En el caso de ME Mark parece ser esa mirada entre aturdida, agotada y, por eso, como robado. Obsérvese que Dustin Hoffman como Tootsie es muy listo y le pone esa mirada, lo mismo que los dos señores del retrato en formato cuadrado. Todo ello no quita la calidad, pero es bueno ir observando ciertas inercias.

maryellenmark_cine24Dos imágenes de su trabajo como fotofija. Arriba, Dustin Hoffman prestándose a todos los juegos -después de vestirse de chica, todo lo demás es pan comido– y Jessica Lange poniendo un aire de chica de la América profunda, aunque seguramente estaba tomando mentalmente nota de las destrezas de la ilustre reportera para aplicarla en su propia práctica leiquera. Abajo, un doble retrato de Ralph Bellamy y Don Ameche vestidos como sus personajes en Trading Places. (1983) y otro de Francis Ford Coppola durante el rodaje de Apocalypse Now (las cuatro fotos proceden de la revista 35milimetros.org)

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¡si lo sé no vengo!

Proyectos (1983-2020) Manolo Laguillo

Diagonal – plaza Francesc Macià durante el primer confinamiento.

Texto de presentación:
«De entre las diversas series que se exhiben destacan Japón 2014; Beirut 2017; Chicago 2019; El estrecho de Gibraltar 2018-2019, y, sobre todo, Las provincias 2014-2015 —una propuesta con 64 dípticos acerca de ocho ciudades de la geografía peninsular que auspició el Museo Universidad de Navarra—, así como Abril 2020. Barcelona, trabajo realizado durante el confinamiento y que se enseña por primera vez en La Virreina Centre de la Imatge.
Con motivo de Manolo Laguillo. Proyectos (1983-2020), se publica el libro Pseudopanorama, cuya edición ha corrido a cargo de Moritz Küng.»

Vista de la Via Laietana con el edificio de La Caixa en el centro

Salas semivacías, sigue el estado de alarma

Esta semana termina la exposición de Manolo Laguillo en el Palau de la Virreina, en Ramblas. Es un recorrido en retrospectiva sobre su temática central, espacios arquitectónicos, por lo general urbanos, en un blanco y negro trabajado siempre según el sistema de zonas –Laguillo es un especialista en la disciplina, profesor universitario, además de traductor de alemán–. Presenta varias series, incluidas algunas de los años 90, como el reportaje comisionado por el gobierno francés para documentar paisajes poco tratados fotográficamente, al que dedica un epígrafe de Flaubert muy bien elegido, el que señala que para encontrar interés en algo basta con mirar el tiempo suficiente; la serie que más me ha interesado ha sido la dedicada a la Barcelona vacía durante la pandemia, de las que aquí incluyo algunas. Por la especial planificación urbana de nuestra ciudad, la composición de amplias perspectivas sugiere la idea de una ciudad boquiabierta, pasmada.